Production Notes: The Lone Ranger

From producer Jerry Bruckheimer and Academy Award®-winning director Gore Verbinski, the filmmaking team behind the hit PIRATES OF THE CARIBBEAN franchise, comes Disney and Jerry Bruckheimer Films ' THE LONE RANGER, a thrilling, action-packed, humorous adventure featuring the famous masked hero comes back to life from a new look. In the film, Native American warrior Toro (Johnny Depp) recounts the untold stories that transformed John Reid (Armie Hammer) from a man of the law into a legend of justice. Thus, the audience is transported on an epic journey with surprises and hilarious conflicts, as the two unlikely heroes learn to work together and fight against greed and corruption.

The LONE RANGER cast also includes Primetime Emmy® and Golden Globe® winner Tom Wilkinson (John Adams) as nationalist Latham Cole; William Fichtner (The Dark Knight) as Toro and the Lone Ranger's worst enemy, Butch Cavendish; Primetime Emmy Award winner Barry Pepper (“The Kennedys”) as military captain J. Fuller; James Badge Dale (IRON MAN 3) as Texas Ranger Dan Reid, John's older brother; Ruth Wilson (Luther) as Dan's wife and John's ex-girlfriend, Rebecca Reid; and two-time Oscar and six-time Golden Globe nominee Helena Bonham Carter (The King's Speech) as flamboyant local saloon owner Red Harrington.

The film is directed by Gore Verbinski and produced by Jerry Bruckheimer and Gore Verbinski. The screen story is by Ted Elliott & Terry Rossio (from all four PIRATES OF THE CARIBBEAN installments) and Justin Haythe (Revolutionary Road), from a screenplay by Justin Haythe with Ted Elliott & Terry Rossio. Executive producers are Mike Stenson, Chad Oman, Ted Elliott, Terry Rossio, Johnny Depp, Eric Ellenbogen, and Eric McLeod.

THE LEGACY IS REBORN

Eighty years after appearing in the imaginary collective, the classic Lone Ranger and Bull characters remain enduring items on the American cultural landscape. "There's something about them that has appealed to every generation since they were invented," notes producer Jerry Bruckheimer. "I grew up in Detroit and The Lone Ranger TV and radio shows were part of my youth, as well as that of millions of others." In radio, television, theaters, TV animation, graphic novels and video games, the perpetual popularity of these iconic American characters represents a continuum that confirms the fascination they generate in the public.

The show made its way into the airwaves on radio station WXYZ in Detroit, Michigan on January 30, 1933. Station owner George W. Trendle wanted a western that would appeal to children. The characters he created were wholesome, honest, and had an authority figure that kids could look up to. Thus was born the concept of the Lone Ranger, which passed into the hands of Fran Striker, a screenwriter from Buffalo, and the station's director of personnel, James Jewell.

Jewell continued to direct the radio soap opera The Lone Ranger until 1938. By then, it was already a national phenomenon. Jewell's father-in-law owned Camp Kee-Mo-Sah-Bee in Mullet Lake, Michigan, which became the obvious linguistic inspiration for Toro's nickname for his friend, the Lone Ranger (Toro appeared in the series 11 episodes after its start). The camp is believed to have been named after an Ojibwe word, "giimoozaabi," which has been translated as "trusted explorer" or even "one who does not follow the normal path." The English name of Toro (“Fool”) also derives from another word in the Ojibwe language, “N'da'aanh-too”, which means “the wild one” or “to change”. Jewell also suggested the inclusion of Gioachino Rossini's “William Tell Overture” as the program's musical theme.

There were 2,956 radio episodes of The Lone Ranger (the last aired on September 3, 1954), a 21-year story that overlapped with the hugely successful TV series, starring stalwart Clayton Moore as the title character and Jay Silverheels. like bull. This show, which became an international phenomenon, first aired on ABC in 1949 and continued until 1957.

The enormous popularity of the series was also continued in two feature films, The Lone Ranger (1956) and The Lone Ranger and the Lost City of Gold (1958). But now it's time for Johnny Depp and Armie Hammer to put their signature stamp on the characters of Toro and the Lone Ranger. Respecting the traditions established over the last eight decades, both bravely portray these characters for a whole new generation.

THE STORY TAKES SHAPE

As with many ambitious projects, there was a long and winding road ahead to bring the new version of THE LONE RANGER to fruition. But neither producer Jerry Bruckheimer nor director Gore Verbinski are easy men to dissuade once their hearts and minds are focused. "We knew it was time for The Lone Ranger and Westerns to be reborn," says Bruckheimer. “We knew it was time to make pirate movies when we developed the first PIRATES OF THE CARIBBEAN a decade ago. There's a reason people have enjoyed these characters and genres for so long, and we knew if we brought them back in a fresh and interesting way, everyone would fall in love with them all over again."

Verbinski was interested in directing THE LONE RANGER only if they could take the classic story and add a few surprises to it. “I think if you're a fan of the original television series,” says the director, “you'll be surprised by the movie because everyone knows the story, and that's not the story we're telling here. What we do is narrate everything from the perspective of Toro, something similar to Don Quixote, told from the point of view of Sancho Panza. I would say that this is the center of everything; our version is a story of friends and an action-adventure film, with a lot of irony and humor and enough peculiarity to make it distinctive”.

To write the revamped version of this legendary tale, the filmmakers hired the brilliant writing team of Ted Elliott and Terry Rossio, who had already written all four of the successful PIRATES OF THE CARIBBEAN movies, the first three of which were a collaboration with Jerry Bruckheimer and Gore Verbinski; and Justin Haythe, who wrote Revolutionary Road for Sam Mendes.

Commenting on the story, Jerry Bruckheimer comments, “This is the story of how John Reid becomes the Lone Ranger, set in a dramatic comedy between two characters from totally different backgrounds, who are really in conflict at the beginning of the story. film and that, in the course of their relationship, they come to a sort of awkward union. Our version has a lot of thrill, adventure, drama, comedy, show and thrill. And because of Gore's vision, it's also a large-scale project."

Bruckheimer was delighted to have his PIRATES OF THE CARIBBEAN castmate Gore Verbinski back on board for THE LONE RANGER. “Gore is an incredibly talented director, someone who encompasses everything. Sometimes you find a director who does comedy very well but can't do action films; there are also some who can only do action”, says Bruckheimer. “Gore is one of the few directors that he can do everything; action, drama, comedy, animation; and all with equal genius. He is highly visual and doesn't let anything get in the way of him creating never-before-seen sequences; he always finds a way to film them with maximum impact.”

THE CAST AND THE CHARACTERS

Johnny Depp's interest in playing Toro in THE LONE RANGER began as soon as the project began, when it was just an idea from Jerry Bruckheimer. Very much in his style, Depp thought that the best way to get it going would be by getting into the character of Toro. So he enlisted the help of two great friends, make-up artist Joel Harlow and photographer Peter Mountain, and set about creating his signature version of Toro, hoping to convince Bruckheimer and the studio, Disney, to come up with the light. green to film

Depp, who is a master of disguise and a great performer, based Toro's appearance on a painting of a Native American warrior and added his own unique touches. The result was spectacular and convinced Bruckheimer – and clearly Disney Studios as well – that it was time to bring the Lone Ranger and Bull back to the screen.

As producer Jerry Bruckheimer relates: “Johnny Depp creates wonderful characters, no matter what movie he's in. His Bull will be unlike any other Bull we have seen before. He has a completely different appearance, conveys a different feeling. We didn't know what he was going to do until the camera turned on; but we know that he will be entertaining and very interesting.”

Depp had a clear idea of ​​how he wanted to portray the character of Toro. He remembered himself as a child, watching reruns of the TV series, and promised that Toro would be an "equal partner" with the Lone Ranger instead of a mere 'partner', to honor the noble warrior tradition of his Native American heritage. .

“The Lone Ranger was one of those things you usually saw on TV when you were a kid. I looked at him and always identified with Toro,” he says. “Already as a child I thought why the indigenous was the companion. And not because the Lone Ranger was disrespectful in his treatment of Toro, but I just thought: 'Why is he the guy who has to do this and that? Why isn't he the hero?' That was always in my head. From a very young age I had been told that we have some indigenous blood in our family... Who knows exactly how much; maybe it's too little, I don't know."

“So what I wanted to do was play this character not as the Lone Ranger's sidekick. I wanted to play him as a warrior and a man of great integrity and dignity. It is my small contribution to correct the mistakes that have been made in the past.”

With Johnny Depp already cast as Toro, the filmmakers looked for the perfect John Reid, aka the Lone Ranger. It soon became apparent to Jerry Bruckheimer and Gore Verbinski that the coveted role of the Ranger was perfectly suited for an incredibly talented and equally handsome young actor named Armie Hammer. Having shocked Hollywood with his portrayal of the Winklevoss twins in David Fincher's The Social Network and co-starring with Leonardo DiCaprio in Clint Eastwood's J. Edgar, Bruckheimer and Verbinski cast him in THE LONE RANGER at just the right time.

Describing Hammer, the director states, “When you meet Armie, you soon understand that he doesn't have a single hair of cynicism or ennui on his body. Armie has a cool, blind optimism in the way he looks to the world. And we really needed someone that the public would believe that he has old ideas.”

Discussing his experience working with Hammer, Johnny Depp says: “First of all, Armie is a great guy. He is very intelligent, very quick and smart, with a lot of wit and talent. He promised to play the Lone Ranger as a white man, naive and serious; and he is precisely the right way.”

“Armie is a young actor who is coming on strong and looks like a classic movie star. What's more, he has something to back it up. He fully committed to this role, which he played to perfection and did so with humor; he didn't want to be the 'cool guy', so to speak. It was a dream to work with him and I feel like I made a good friend in Armie."

The other actors in the cast of THE LONE RANGER also embody excellence. Tom Wilkinson, who plays railway builder Latham Cole, is known as one of Britain's most brilliant and versatile actors; he has been nominated twice for an Oscar (for In the Bedroom and Michael Clayton) and four times for the Globes. Gold, having won for his portrayal of Benjamin Franklin in the HBO miniseries John Adams. “Latham Cole is, in a sense, one of the fathers of America as it is today,” explains Wilkinson of his character. “Today he would be called a 'venture capitalist.' For Cole, building the transcontinental railroad is not just a money-making opportunity but his vision of unified greatness. But Cole isn't always particular about how he gets what he wants. People who have big projects have no problem stepping on other people's rights."

William Fichtner took on the role of outlaw Butch Cavendish, the Lone Ranger's outright rival and a character familiar to all fans. Over the years, Fichtner developed a powerful reputation for his versatility and range. Unrecognizable in his make-up as Cavendish, Fichtner nonetheless found a core to the character that makes him more than just a monster. “Sometimes I play people with a rough nature, but I always try to find something that makes them 'real.' Cavendish is very simple in thinking of himself about what he wants, but he is smart and focused. I think it's safe to say that of all the characters you see in this movie, the last person you want to find in a dark alley is Cavendish. I don't think even he wanted to find himself on a dark street; so to speak".

Emmy winner Barry Pepper set goals for him in the role of Captain Fuller. In researching his character, Pepper studied the famous "Indian fighters" of the late 19th century, such as George Armstrong Custer, Ranald Mackenzie, and Phillip Sheridan. “They were very exuberant self-centered men, who boasted and had ambitious ideas in mind. One can almost hear the campaign speeches and slogans running through Fuller's head. I see him as a peacock preening and dragged by the grotesque task of leading the natives across the plains, a gentleman in the carnival of progress.

The filmmakers' determination to cast the best possible talent for the different roles paid off with the casting of New Yorker James Badge Dale to play Dan Reid, a Texas Ranger whose tough frontier nature belies that of his polished, well-mannered brother, John. "Dan Reid is Dan's older brother, a dirty, world-weary guy," says Dale of his character. “There's a lot of nuance to Dan's point of view, and maybe in another world or another time he could have ended up an outlaw. Right and wrong don't seem so clear to him anymore."

British actress Ruth Wilson makes her American film debut with THE LONE RANGER. “When Ella Ruth came along and started reading for the part, she just blew us away,” says Verbinski. “She can capture most people and she has a lot to say with those eyes. She is going to be a big movie star.”

Wilson comments, “Working on THE LONE RANGER has been epic, in every sense of the word, from the scale of the production, the scenery, the quality of the talent involved and everything. It's a western that oscillates between absurd humor and serious emotion, all set in a fascinating moment in American history. For me it was a great opportunity and I couldn't resist; It was an experience I will never forget."

Helen Bonham Carter joined the cast for good reason: "The reason I wanted to do this movie is because I've never been offered the chance to play a one-legged madam in a western movie before," says the actress, nominated for the Oscars twice. Another draw of her role was the opportunity to work, again, with her friend Johnny Depp, with whom she previously acted in five films. Bonham Carter describes Red as “the extravagant proprietress – with an even more extravagant hairstyle – of an exotic mobile establishment. Red follows in the footsteps of the railway as it advances in its construction, because her clients are the workers. She is a powerful pragmatist, she doesn't beat around the bush.”

The massive supporting cast of THE LONE RANGER was meticulously selected from various sectors of the US and international acting community. Two distinguished actors were cast to play Comanche warriors facing an uncertain future: Saginaw Grant, a highly respected actor, teacher, and activist from the Sac and Fox Nation, Iowa, and the Otoe-Missouria Nation, plays Chief Grand Bear, leader despite the advance of his years and the railroad over Comanche territories. Gil Birmingham, of Comanche origin, also plays Great Bear's war chief, Red Knee.

BACK TO SCHOOL… COWBOY SCHOOL!

The cast and supporting cast of THE LONE RANGER discovered that being a cowboy, gunslinger or railroad builder on the big screen requires going back to school and being properly prepared. "Camp Cowboy Boot" began three weeks before Gore Verbinski first yelled "Action" and was attended by most of the main cast, at Albuquerque's Horses Unlimited ranch. His teachers included stunt trainers, muleteers, gunsmiths, and prop men; and no one was treated preferentially, not even the actor who plays the Lone Ranger.

“Cowboy Boot Camp was basically a bunch of actors running around like six-year-olds,” says Armie Hammer. “We rode horses for two hours a day, threw lasso for half an hour, practiced gun shooting, wagon riding, saddling and unsaddling. It was a great film immersion project. After a few days there I think I had ridden more on horseback than I had ever done before, in my entire life.

“Gore wanted to have a camp where basically every actor could be taught how to shoot, how to mount and how to ride, along with other things,” says stunt coordinator Tommy Harper. The bottom line for me was making sure that at the end of the movie, everyone had done everything they needed to do safely and was in perfect shape." Although this camp began before filming, Harper notes that actor training continued throughout filming: “When you think you know something, it all comes back to haunt you; so we never leave them too quiet in terms of training.”

Clearly, it was crucial for the actors to learn how to handle firearms, and in doing so they were under the expert tutelage of gunsmith Harry Lu. “Even though they were shooting at targets,” he notes, “it was still a dangerous object to work with. We had to make sure they knew how to handle it and the right way to do it."

William Fichtner, who in his role as the ultimate outlaw Butch Cavendish should have felt absolutely safe with his weaponry, was glad to put himself in the hands of experts. "With Harry Lu around, I'm comfortable with anything gun-wise," says the actor. “It's hard… the first time you hold a heavy gun in your hand. But, every time I got to the set and saw Harry, I'd ask him if he could handle the gun for a little while, and he'd always show me something new for me to practice, and then a little bit more." After a while, Fichtner was making dangerous turns with the pistol, which were captured on film during filming in Creede, Colorado. "Do you know why you try so hard to learn things like this?" Fichtner asks. “Because as an actor, you want little moments that equal everything that's happening in the movie. I wanted my weapon movement to be as good as the amazing environment and set we were shooting on, in Creede."

Training the cast in horsemanship was brought in by a team led by expert Clay Lilley and cowboy boss Norman Mull. “A horseman can look at an actor and know whether or not that person can ride a horse,” says Harper. “Only by the way they walk can you tell this; as well as if they will be able to mount and dismount. So teaching them how to look right was also important.” Says Norman Mull, "What we tried to do at camp was get the actors comfortable with the horses, pick equines that were appropriate for them, and teach them whatever it took to make sure they could ride."

Some actors had prior experience, including Armie Hammer and Ruth Wilson. "I've fallen off quite a few horses already," Wilson says, laughing, "so this was a good place to learn how to ride properly." Wilson enjoyed being the only woman in the camp. “Yes, I loved being surrounded by cowboys; it was fun. It was very good to understand the world of the film.”

The usually brash Hammer, however, was somewhat disturbed. “I've worked with horses before, but I thought, 'This animal thinks for itself; that's what makes me nervous. What will happen if he sees a rabbit?' But they don't give you a choice; they sit you on the horse and tell you: 'Go for a ride'. It was nonstop fun for three weeks.”

The other main actors also had a lot of fun at the camp, even though they recognized the rigors of it. James Badge Dale, the New Yorker who plays Texas Ranger Dan Reid, had to be honest about his skills when he first met Jerry Bruckheimer and Gore Verbinski. “I didn't have the job yet, and I met with both of them. Jerry sat quietly, as he usually does, and he watched and listened intently. Gore asked me if he knew how to ride a horse. I was going back and forth with some stories and finally I said, 'Gore, I'm sorry, I have no idea how to ride a horse; I'm from New York City!” Then Jerry suddenly laughed and said, 'You're the only one who came here and told us the truth.' Gore added: 'Well, then you'll learn.' So I did it. I learned things from horses that I never thought I would learn. These jeans are very good at what they do. They adore horses and teach you to respect them.”

Kris Peck's prop department also made a significant contribution to the camp, as he was responsible for providing props for the season. They made over 80 Eastern mounts, 25 US Cavalry and 30 Native Americans. "We had to teach the actors how to unfurl all these props and look like they knew exactly what they were doing," explains props assistant Curtis Akin. “They have all sorts of things to use in the field scenes, so when they ride, they have to get off their horses, remove all this stuff, put their mounts around a campfire, and put out their sleeping bags to set up camp for the night. ”.

THE MAKING OF THE LONE RANGER

With the goal of making a film that would defy convention and expectation, yet satisfy audiences in ways they never imagined, producer Jerry Bruckheimer and Oscar-winning director Gore Verbinski began filming THE LONE RANGER, Disney/Jerry Bruckheimer Films, on February 28, 2012, in Albuquerque, New Mexico.

The talented cast - Johnny Depp, Armie Hammer, Tom Wilkinson, William Fichtner, Barry Pepper, James Badge Dale, Ruth Wilson and Helena Bonham Carter - embarked on a seven-month shoot that would take them through the most varied terrains and climates of four states in the American Southwest, making the making of THE LONE RANGER an adventure in itself.

Director of photography Bojan Baselli (THE SORCERER'S APPRENTICE, Mr. and Mrs. Smith), with whom Verbinski had previously worked, captured the extensive images for THE LONE RANGER . “No one understands the photochemical process better than Bojan,” Verbinski says of Bazelli. “He understands what happens to the eye when a room is lit, he understands what happens at the back of the lens when the emulsion arrives and now, digitally, when it reaches the chip. He thinks he has a better understanding than anyone else I've ever worked with."

Of the visual approach he and Bazelli planned for THE LONE RANGER , Verbinski says, “We wanted to keep it basic, raw. We didn't want it to look so pretty that it felt theatrical. We already have a story that is intrinsically theatrical, like an opera, but if we also started adding cream and sauces to that recipe, we would lose a sense of integrity. It had to be honest…and unrefined.”

Before the cameras first turned on, the film's Comanche consultant, Wahathuweeka-William Voelker, and his colleague, Troy, performed a traditional blessing ceremony on the Albuquerque studio grounds. Inside, on three sets, the sequences involved the use of trains, a marquee where a large exhibition was being held, and the lavish interior of Red's Traveling Entertainments, all locations where part of the filming was to take place.

About 34 miles west of Albuquerque is Rio Puerco, where the production built the sets of the town of Colby and Promontory Summit. With the exception of stays in Monument Valley and Canyon de Chelly on the Navajo Nation, Rio Puerco would be the company's base of operations for the next three months.

On the morning of April 12, 2012, the production headed to Monument Valley to begin shooting before dawn. The sun rose just above the ridge known as the 'John Ford Place', for a shot of the Lone Ranger and Bull on horseback, just off the edge of the cliff. In the stunning area of ​​Monument Valley known as the North Window, the company was honored to be visited by leaders of the Navajo Nation, who hosted the first major motion picture to be shot in Monument Valley in over a decade.

From there, the team headed up a winding 65-mile road through the Navajo Nation to Canyon de Chelly. This place is another deeply historical and spiritual point of the Navajo Nation, which is under the supervision of the US National Park Service. For six days there, Verbinski filmed the crucial scene of the ambush in Bryan't Gap, in the remotest places of said regional configuration.

After returning to Rio Puerco for a few extra shots, the crew underwent a dramatic change of scenery as the production moved 275 miles north of Albuquerque to the small mountain town of Creede, Colorado for another three weeks of filming. The historic and picturesque place was the last booming mining town during the end of the 19th century in Colorado. The town has a rough and tumble history, which attracted unsavory characters during its mining heyday, such as Soapy Smith and Robert Ford. THE LONE RANGER took advantage of Creed's storied past and built his own mine just north of downtown, among the ruins of the real amethyst mine that used to be there.

"It's very authentic," notes Jerry Bruckheimer. “A beautiful part of Colorado. But getting all of our equipment there was not easy; we even had to bring a whole train. It's never easy in small towns; Even finding accommodation for a company as big as ours is complex. When you see the film, you see authenticity; That's the wonderful thing about this film. We're on real locations, we don't use a lot of CGI. In many movies today, the settings are artificially created. Here, everything is real.”

The Colorado River in Moab, Utah, was the next location. Johnny Depp, very familiar with working in the water thanks to the PIRATES OF THE CARIBBEAN saga, got soaked again for this film (along with the rest of the crew). He then returned to the heights, shooting at two of Moab's most beautiful locations: Fossil Point and Dead Horse Point. While Fossil Point is also known as the site where the lovable outlaws Thelma and Louise hit the precipice, in the Ridley Scott-directed film, the addition of a full-size train, workers' camp, and 154 costumed extras make it They turned into a practically unrecognizable place. Dead Horse Point was the site, also on the edge of the precipice, where John Reid wakes up on a platform after being saved by Toro. “It was a rickety structure, about 18 feet high,” Armie Hammer recalls, “and while I was standing on top of that thing, the platform could swing about three feet. So, I looked down and realized that the drop would be about 60 meters to the bottom of the canyon. Now that was a trip."

After a day of shooting again on the Navajo Nation, at Shiprock, an impressive 1,500-foot-high rock formation, the company drove to its next base of operations: Santa Fe, New Mexico. Además de filmar dos escenas en el cercano Lamy, Verbinski halló otras formas de utilizar la variada, ya menudo sorprendente, topografía de la región. Las intimidantes rocas de Plaza Blanca, similares a un paisaje lunar, fueron apropiadas para recrear el “Valle de Lágrimas”, para las escenas con Ruth Wilson, William Fichtner y la pandilla Cavendish.

En tanto, la magnífica reserva Valles Caldera National Preserve, un valle de casi 20 metros de ancho en el cráter de un volcán, fue utilizado como escenario de la aldea de guerreros Comanche. También se utilizaron los túneles Gilman, un sitio ideal para los trabajos con plataformas. Y las alturas de Pajarito Mountains proveyeron el dramático paisaje para la última resistencia de los valientes guerreros Comanche.

A mediados de agosto, la compañía hizo las valijas nuevamente y regresó a Albuquerque para una semana más de filmación, antes de casi 250 kilómetros al norte, pasando Taos, y 2600 metros de altura en las montañas Angel Fire, en Nuevo México, para rodar allí durante 17 días. Este tramo final fue realizado, casi en su totalidad, con trabajo de grúas y con caídas espectaculares, pergeñadas por el coordinador de efectos especiales John Frazier y su equipo.

Johnny Depp y Armie Hammer completaron su trabajo final el jueves 28 de septiembre de 2012 y, apropiadamente, ambos estaban juntos en la misma toma. Cuando Gore Verbinski gritó '¡Corten!', ambos levantaron sus brazos en señal de victoria hacia el director, Jerry Bruckheimer y el resto de la compañía.

Pero había aún un viaje más para el resto del equipo: 50 kilómetros al norte del desierto de Lone Pine, California, donde un segundo campamento Comanche había sido erigido para los dos últimos días de filmación.

EL DEPARTAMENTO DE ARTE: RECONSTRUCCIÓN DEL LEJANO OESTE

Los talentosos diseñadores de producción Jess Gonchor (Moneyball, True Grit) y Mark “Crash” McCreery (Rango, PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DEL PERLA NEGRA), disfrutaron de un gran equipo, compuesto por seis directores de arte, once diseñadores de set, dos ilustradores, un artista, varios artistas de storyboard, dos diseñadores gráficos, dos modeladores, un coordinador de investigación, un asistente del departamento de producción y 274 constructores, pero a veces, McCreery prefería hacer las cosas por su cuenta. Así, talló a mano los petroglifos indígenas que adornan el marco de madera en torno al diorama en la Exhibición del Lejano Oeste, por ejemplo, y pintó él mismo los símbolos en las paredes del túnel ferroviario en Creede, Colorado.

“Crash es un rebelde total”, dice Bruckheimer, “con una imaginación ilimitada y toneladas de energía. Hemos sido afortunados de trabajar con él como diseñador de criaturas en varias películas, y era el momento para él de dar un paso adelante y mostrarnos toda la gama de sus habilidades”.

Entre los desafíos que propuso el diseño de producción de EL LLANERO SOLITARIO se incluía el diseño de varios sets enormes en los que el drama, el humor y la aventura del filme deberían plasmarse. Hubo 12 estructuras de gran escala que comprendían el pueblo de Colby, construido en Rio Puerco, casi todas ellas con cuatro paredes, incluyendo una estación de trenes, una caballeriza, un bar, el banco, la oficina del sheriff y varias tiendas, con ocho kilómetros de vías alrededor del pueblo, construidas especialmente para la película.

Construido al lado del set de Colby, en Rio Puerco, el plató de otro pueblo, Promontory Summit, marca el sitio histórico donde los trenes de Union Pacific y Central Pacific se encontraron luego de la finalización del Ferrocarril Transcontinental. Promontory Summit, tal como se lo construyó para el film, tiene una apariencia decididamente más fuerte que la del destartalado Colby; es más sólido, con ladrillos y madera, lo cual indica una mayor prosperidad y una más larga historia.

Crash McCreery realmente pudo entrenar su lado salvaje con los diseños de “Infierno Rodante”, un pueblo ambulante inspirado en las numerosas ciudades emergentes del siglo XIX, que seguía a los trabajadores que construían el ferrocarril Transcontinental. Lo más destacado del pueblo móvil es el lujoso interior de su establecimiento más grande y notable, el Entretenimiento Itinerante de Red.

El colorido y maravillosamente extraño set “Infierno Rodante” fue prefabricado en el departamento de arte, en Albuquerque, durante cinco semanas. Luego, en el transcurso de otras seis semanas, fue montado en las colinas de Lamy, Nuevo México. El resultado final es una mezcla fantástica, similar a una feria ambulante del Lejano Oeste, poblada por una combinación espléndida y extravagante de encantadores de serpientes, rarezas humanas, tragafuegos, comerciantes de té, dentistas improvisados, fanáticos religiosos y trabajadores del ferrocarril. Todo ese libertinaje está ambientado en un marco de tiendas, escenarios y cabinas, anclados en el imponente exterior del Entretenimiento Itinerante de Red.

“El plató 'Infierno Rodante' era la realización de cada espectáculo y de todas las fantasías que tenemos acerca del Lejano Oeste”, dice McCreery. “Cualquier cosa que desees, por más extraña que sea, está aquí. Y el vestuario de Cheryl Carasik es espectacular; llenó la calle, de un extremo al otro, con cada artículo imaginable”.

El set para el gran interior de la tienda de Red fue construido y filmado meses antes, en Albuquerque Studios. Las destartaladas paredes del desenfrenado salón de Red están adornadas con auténticas tarjetas postales de la época, anuncios y botellas de licor, junto con un cartel en el que se leen las “Normas de la casa”.

El set de la granja Reid, en cambio, fue mucho más sobrio; una porción clásica del estilo de arte conocido como “americana”, con su madera y su casa de piedra, un enorme granero de madera, rodeado por establos y corrales. “Es uno de los platós más realistas que he construido”, señala McCreery. “Luce como si hubiera estado allí por un largo tiempo. Sin embargo, fue construido en tan sólo unas pocas semanas, ¡y tuvimos que quemarlo durante una noche!”.

Otro de los sets más impactantes realizados por los diseñadores de producción fue la Mina del Hombre Dormido, construido en Creede, Colorado. El plató fue diseñado para armonizar con los edificios históricos del pueblo, del siglo XIX. Las nuevas estructuras incluyeron un túnel ferroviario de 60 metros largo, con un frente de 12 metros de altura en rocas, una vía de 1,5 kilómetros de largo, vías elevadas y caballetes para los carros de minerales, además de cabañas de mineros que, aunque eran construcciones nuevas, se veían bastante envejecidas ya punto de caer en cualquier momento.

Quienes aportaron a los personajes un formidable arsenal y una gran cantidad de accesorios fueron el jefe de utilería, Kris Peck, y su socio, el armero Harry Lu. Desde famosas pistolas cargadas con balas de plata hasta la pierna de marfil de Red Harrington y el reloj de bolsillo de Latham Cole, estos objetos relativamente pequeños jugaron un rol crucial en la historia. Peck también quería asegurarse de que ciertos objetos clave estuvieran debidamente añejados, según el enfoque que Verbinski quería darle al aspecto general del filme. “El paso del tiempo se ve en los objetos, si los miras de cerca”, anota Peck. “Gore me dijo de antemano que habría cuatro o cinco ítems que veríamos en planos cercanos en la pantalla; la insignia y la bala de plata del Llanero son dos de ellos. Ellos debían lucir como si estuvieran hechos a mano, no en un taller”.

Curiosamente, el principal objeto de Toro es la bolsa de cuero con cuentas, en la que guarda varios tótems y, aún más importante, las semillas para el cuervo que adorna su tocado. Él no lleva armas de fuego, sólo dos cuchillos, uno de los cuales está creado –irónicamente- a partir de un clavo del ferrocarril, como si Toro convirtiera la herramienta de su enemigo en un arma en su contra. Pero muy posiblemente, el objeto más notable de Peck –ciertamente, el más original- es la prótesis de la pierna de Red Harrington, que incluye un arma oculta. “Red es la definición viva de cómo convertir una desventaja en una ventaja”, afirma Helena Bonham Carter acerca de su personaje. “Ella pone un arma en su pierna ortopédica para proteger a sus chicas. Ha ganado poder a partir de su pérdida, no se siente disminuida”.

DOBLES: EL MUNDO DE HARPER

Los siete meses de rodaje demandaron que el supervisor de dobles, Tommy Harper, y su equipo, lograran escenas de riesgo imposibles, muchas de ellas en el interior y en la parte superior de los trenes para las espectaculares secuencias de acción que integran el filme.

“Los trenes son increíbles porque son reales”, dice Harper. “Nunca hicimos nada en esos trenes a menos de 50 kilómetros por hora, y por lo general trabajamos a 65 kilómetros por hora. Pusimos vías especialesen la parte superior de los vagones para que los dobles de riesgo pudieran correr por allí pero siempre atados al tren –algo que no se ve en pantalla-, de modo que si algo ocurría, no cayeran”.

Harper y su equipo realizaron constantes controles para asegurarse de que, en la medida de sus posibilidades, la acción, aunque peligrosa, se mantenía dentro de ciertos límites.

Además de su gran equipo de dobles de riesgo, Tommy Harper fue bendecido con dos grandes estrellas y varios actores de reparto que adoraron hacer por cuenta propia las escenas de riesgo. Para Johnny Depp, eso significó correr en la parte superior de los vagones en movimiento y muchas escenas montado a caballo. “Johnny es fantástico”, afirma Harper. “Lo mejor de él es que, cuando le explicas algo, él dice: 'OK, entiendo'. Y hace exactamente lo que le has dicho”.

Con su juventud, estado atlético y espíritu aventurero, Armie Hammer estaba prácticamente a la altura de cualquier escena de riesgo y de montura que se requiriera de él. Tommy Harper aprovechó el entusiasmo del actor. “Le dije que si la actuación no le daba resultado, podría trabajar conmigo como doble porque hizo un fantástico trabajo con todas sus escenas”, bromea Harper.

Otro actor principal que realizó un gran trabajo en escenas de riesgo fue William Fichtner, en el rol de Butch Cavendish. “Bill realmente adoptó el personaje”, apunta Harper, “y es uno de los mejores villanos que he visto en el cine. En una escena, salta de un tren en movimiento a su caballo, y él realmente lo hizo”.

Por extraño que parezca, Fichtner halló esa increíble escena de riesgo bastante menos que intimidante que el trabajo sobre el tren. “Todo lo que puedo decir es que saltar de un tren a 30 kilómetros por hora a un caballo al galope y aterrizar en una silla vacía no era tan angustiante como estar de pie en la parte superior de un tren en movimiento cuando está recorriendo una curva”.

No sólo los muchachos del elenco se divirtieron con estas escenas. “Ruth Wilson es fabulosa”, confirma Harper. “Ella es otra que podría ser una doble de riesgo. No tiene miedo y es muy lista. No sólo se arroja de donde sea sino que también pregunta las cosas indicadas. La colgamos del tren para una escena, cabeza abajo, muy cerca de las ruedas. Ella vio los parámetros y se sintió segura de hacer la escena”.

POR LA VÍA CORRECTA: LOS TRENES

¿Qué ocurre cuando un productor y un director necesitan tres trenes americanos del siglo XIX para varias de las escenas de acción más ambiciosas jamás realizadas en el cine? “Los construimos”, afirma Jerry Bruckheimer, “al igual que hemos construido varios buques de tamaño real para la saga PIRATAS DEL CARIBE. No hay sustituto para la realidad y, dado lo que teníamos que hacer con estos trenes, la realidad era la única pauta a seguir”.

El dilema que Bruckheimer y Verbinski enfrentaron al preparar EL LLANERO SOLITARIO era cómo llevar a cabo la gran tarea de filmar lo que había en el guión; nada menos que algunas de las acciones con trenes más complejas y espeluznantes jamás concebidas. Las posibilidades incluían la creación de miniaturas, emplear tecnología por computadora (CGI) o emplear trenes de época ya existentes, pero los trenes del guión estaban tan bien definidos y eran un elemento tan importante de la trama y la acción, que sólo lo real funcionaría.

“Cuando uno entra en la mente exigente de Gore Verbinski, que conoce los ángulos de cámara, velocidades, inclinaciones y duración de las tomas, todo se vuelve muy técnico y específico”, explica el jefe de producción Tom Hayslip. “Mientras que los trenes se convertían en un elemento cada vez más importante de la película, comenzamos a preocuparnos acerca de cómo estos podrían hacer lo que era necesario. ¿Cómo van a ir lo suficientemente rápido? ¿Cómo podrán frenar rápidamente? En cierto sentido, se convirtieron en personajes, tanto como el Perla Negra fue en las películas de la saga PIRATAS DEL CARIBE. Los trenes vivían, respiraban, trabajaban y también fallaban. A veces eran geniales y otras no. Hubo muchas dudas a medida que nos acercábamos a la especificidad que Gore necesitaba de ellos…”.

El departamento de trenes de EL LLANERO SOLITARIO estuvo coordinado por Jim Clark, primero, quien aportó años de conocimientos tradicionales de la tarea, y luego por Jason Lamb y el coordinador asistente Luke Johnson, quienes aportaron ingeniería moderna y conocimiento logístico. La construcción de los dos trenes, de 250 toneladas, y las vías sobre las cuales estos corrían, fue una notable colaboración entre varios departamentos de la película y una importante obra de ingeniería.

Originalmente, la producción planeó utilizar una vía ya existente en una parte de Nuevo México. Hayslip explica: “Ellos ya habían iniciado la construcción de Colby, en la parte sur del estado, que había sido elegida porque ya había allí algunas vías que podían utilizarse. Pero después de explorarlas, descubrimos que tendríamos que actualizar esas vías para que los trenes pudieran moverse a más de 50 kilómetros por hora sobre ellas, así como también construir vías adicionales y compartirlas con la empresa minera dueña de esos terrenos. Inmediatamente dimos marcha atrás y comenzamos el proceso de construir nuestras propias vías y trenes”.

Los pueblos de Colby y Promontory Summit se construyeron con ocho kilómetros de vías que los rodeaban, en forma de óvalo, junto con un par de kilómetros de vía doble para que Verbinski pudiera rodar las secuencias de trenes de lado a lado. La construcción de estas vías requirió de 16 semanas de trabajo a cargo de Gandy Dancer, una compañía con sede en Albuquerque, bajo la supervisión de Joey Hutchens.

Gandy Dancer mudó 17600 toneladas de las vías de 10 metros de largo, barras, placas de unión y uniones en 82 camiones, desde Blythe, California, hasta Kansas City. También llevaron 180 toneladas de uniones y clavos desde Stockton, California. Una vez que los materiales estuvieron reunidos, la compañía comenzó a trabajar en la construcción de algo parecido a una nueva línea de ferrocarril en el polvoriento desierto de Rio Puerco, y otro kilómetro de vías debió establecerse para la locación de la mina Sleeping Man en Creede, Colorado, para trabajo adicional de ferrocarril.

De regreso en el taller en Sun Valley, California, el coordinador de efectos especiales John Frazier (Spider Man 2, OZ, EL PODEROSO) estaba ocupado con la construcción de dos trenes de tamaño real: el histórico Júpiter y el que se dio en llamar el “tren de Colby”, que se convirtió luego en el tren de Latham Cole, el “Constitution”. Los trenes eran auténticos a su época hasta en el último detalle, excepto por dos elementos importantes: en primer lugar, las locomotoras trabajan con moderna energía hidráulica en lugar de vapor, y la segunda, los vagones fueron construidos como contenedores, de modo que pudieran ser levantados, manipulados y cargados en los camiones plataforma para su transporte.

“Los trenes poseen mangueras hidráulicas que suben hasta los vagones, donde escondimos los motores diesel Cummins de mil caballos de fuerza”, explica Frazier. “Tuvimos un equipo de efectos especiales que creó el humo negro, apropiado para dar la impresión de que estábamos ante trenes de esa época”.

Frazier construyó las locomotoras de los trenes, mientras que los departamentos de arte y construcción diseñaron y crearon los 15 vagones. Dado que las locomotoras no funcionaban, en realidad, a vapor, debían preocuparse por añadir efectos realistas de humo, y por operarlas correctamente.

Los trenes se manejaron por una computadora colocada dentro de la cabina, y si Verbinski filmaba allí adentro, los controles se trasladaban a uno delos coches traseros. Sin embargo, necesitaron a un auténtico ingeniero ferroviario para controlar el sistema de frenos, de modo que, en caso de una emergencia, pudiera accionarse un freno de seguridad, el único control no computarizado. Aunque Frazier había diseñado los trenes para que funcionaran a 50 kilómetros por hora, cuando se necesitaba más velocidad, se utilizaban las modernas locomotoras diesel, para que remolcaran o empujaran a los trenes de época. “Nuestros trenes son, fundamentalmente, de utilería, por ende no queríamos estropearlos”, dice Frazier. “Usamos nuestros trenes en tomas grandes y amplias, y cuando la cámara estaba más cerca, o dentro de los vagones, empleábamos los trenes diesel”.

En términos de diseño, el diseñador de producción, Crash McCreery, señala que los trenes de EL LLANERO SOLITARIO se construyeron con un tamaño más grande del que realmente tenían en esa época “porque Gore quería dar al público la sensación de que estas cosas eran bestias que atravesaban el país. El Colby era un tren de pasajeros utilitario, pero el Constitution era mucho más elegante, fue divertido diseñar su sala de estar y su comedor. Debía ser un ambiente muy lujoso y masculino”.

Los directores de arte Domenic Silvestri y Naaman Marshall fueron asignados para trabajar sólo en los trenes, y tomaron su inspiración tanto de la historia como de las necesidades del filme de ficción. Como tales, sin dudas, se tomaron algunas libertades con los dos vehículos que se encontraban cabeza a cabeza en Promontory Summit para la ceremonia de la Espiga de Oro, el 10 de mayo de 1869. Como dice Silvestri, el tren Júpiter de la película, alias el Central Pacific Nro. 60, “es relativamente cercano a lo real”, pero el Constitución difiere del tren histórico conocido como el Union Pacific Nro. 119. “El Constitución está ligado al personaje de Latham Cole, por ende todo pasa más por su personalidad que por ser históricamente exactos. Miramos muchas fotografías de la época cuando diseñamos al Constitución, y Gore quería que fuera grande y de apariencia maligna, un villano de carbón negro y plata, en oposición a Júpiter, que funciona a leña”. Las locomotoras de ambos trenes fueron auténticas hasta en el último detalle, incluyendo las placas que adornan sus exteriores.

La decoradora Cheryl Carasik se aseguró de decorar el interior de los vagones con objetos que pudieran balancearse con el movimiento del tren, hasta las cortinas con ribetes en los bordes, especialmente elegidas por su movimiento. En cuanto a los vagones personales de Latham Cole, Carasik admite: “Son un poco excesivos para un hombre, pero Cole es muy exagerado”.

La enorme secuencia final de la película también requirió de camiones especialmente diseñados para remolcar a los vagones durante un enorme trabajo con plataformas. “La secuencia de trenes del tercer acto atraviesa muchas apariencias diferentes”, explica Hayslip. “Comienza en el desierto, luego atraviesa altas malezas, después pasa por bajas colinas, luego laderas y, finalmente, una zona alpina. Por supuesto, no pudimos hallar vías de ferrocarril que atravesaran todas esa zonas, por lo cual pensamos desde el comienzo que podíamos llevar los trenes hasta esos entornos. Los equipos de carretera fueron nuestros vagones reales, porque los levantaban y colocaban en remolques, algunos de ellos de hasta 20 metros de largo”.

Con una amplia necesidad de actores y especialistas para llevar a cabo las actuaciones en los techos de los trenes, debieron construirse plataformas a ambos lados de los vagones, con cámaras telescópicas montadas en ellas para capturar la acción. “Pero una vez que tuvimos todo eso montado, aún necesitábamos llegar por carretera”, dice Hayslip. “Teníamos un tren de 3 metros de ancho, una plataforma con cámara de dos metros de ancho de un costado, y balastos –usualmente grandes barriles con agua- para mantener el equilibrio del otro lado. Mientras tanto, algunos de los caminos rurales donde filmábamos sólo tenían 6 metros de ancho, por lo cual rozamos unos cuantos árboles”.

Para Armie Hammer, trabajar o siquiera observar las plataformas fue poco menos que increíble. “Cuando ves los equipos que trabajan en una carretera, de cerca de 30 metros de largo y seguidos por vehículos de apoyo y autos de policía detrás, es impresionante. Después de una hora de rodaje, todos los habitantes del pueblo se alinean al costado de la carretera, porque nunca han visto algo igual. Sólo la magnitud de todo eso es increíble”.

Todo lo que se necesitaba allí eran actores lo suficientemente locos como para pararse en el techo de los trenes en movimiento, a 65 kilómetros por hora, a través de caminos montañosos con curvas cerradas y caídas a precipicios. Por suerte para Gore Verbinski y Jerry Bruckheimer, los encontraron. William Fichtner dice: “Te digo una cosa… te acelera el ritmo cardíaco. Es bueno, emocionante y te deja sin aliento, sí, pero da un poco de miedo”. En una escena, Ruth Wilson –en el papel de Rebecca Reid- es arrastrada por Fichtner –Butch Cavendish- hacia la parte superior del tren. “Bill me da vuelta y amenaza con empujarme hacia afuera”, cuenta. “Tengo un pie dentro y otro fuera del tren, yendo a 50 kilómetros por hora. ¡Es increíblemente emocionante!”.

Barry Pepper, quien interpreta al excéntrico Capitán Fuller, agrega: “Sólo ir hacia arriba y abajo en las montañas y bosques, viendo esos hermosos paisajes, filmando todos esos tiroteos mientras los trenes van a toda velocidad por las curvas, era absolutamente increíble. Se advierte el viento que entra, las ramas que golpean al lado del tren, la gente saltando y moviéndose en los vagones, las luces balanceándose; es simplemente vívido y electrizante. Es algo que no se puede recrear en un estudio. Es fantástico lo que logró Gore; quiero decir, teníamos a Johnny Depp parado en el techo del tren mientras yo le disparaba desde adentro del vagón, a través del techo. Fue un testimonio también, de lo que Disney estaba dispuesto a hacer para cambiar el paradigma de las películas de vaqueos. Las películas del oeste cambiarán para siempre después de ésta; se establecerá un nuevo estándar, al igual que PIRATAS DEL CARIBE hizo con su propio género. Eso es lo que Jerry, Gore y Johnny hacen; es fantástico ser parte de ello”.

LA MODA DE 1869: DISEÑAR EL VESTUARIO

Para la diseñadora de vestuario Penny Rose, el diablo está en los detalles, y ningún detalle es tan pequeño como para escapar de su mirada exigente e inflexible. Rose habrá creado los distintivos trajes deshilachados del Capitán Jack Sparrow en las cuatro entregas de la saga PIRATAS DEL CARIBE, los glamorosos trajes de la popular Eva Perón en Evita y el equipo de batalla de los guerreros orientales y romanos para King Arthur, de Jerry Bruckheimer, y para EL PRÍNCIPE DE PERSIA: LAS ARENAS DEL TIEMPO, pero nunca antes había abordado un western. “Fue todo un reto”, dice Rose. “Como siempre, hago los trajes lo más auténticos posibles y luego les agrego unos toques de diversión”.

La británica Penny Rose (PIRATAS DEL CARIBE) era muy consciente de los icónicos atuendos del Llanero Solitario y de Toro a partir de la serie de TV, pero ni ella, ni Bruckheimer ni Verbinski querían imitar el traje que usaba Clayton Moore. “Una de las cosas que observamos, viendo películas del oeste de los años 50 y 60, es que eran muy indicativas acerca de la época en la que se hicieron”, señala Rose. “Nosotros decidimos que queríamos hacer esta película lo más auténtica posible a 1869”. El enorme guardarropas de Rose incluiría la confección de 1500 trajes y cientos de sombreros, zapatos y otros accesorios, especialmente creados para el filme o alquilados y modificados según las necesidades de la película. Enclavada en un almacén gigante en Albuquerque Studios, Rose trabajó junto a pequeños ejércitos de costureras, cortadoras, bordadoras y tintoreros, para crear y confeccionar los trajes de EL LLANERO SOLITARIO.

Junto con Rose hubo un gran número de viejos colaboradores, entre ellos su asistente de vestuario Charlotte Finlay, el diseñador asociado John Norster y la supervisora de vestuario Stacy Horn, todos en sintonía con el vertiginoso estilo de trabajo de la diseñadora. “Me gusta llamarla 'Huracán Penny'”, dice Bruckheimer, quien trabajó con la formidable diseñadora en seis películas anteriores. “No hay nadie como Penny en su campo; es increíblemente creativa y tiene un nivel de energía sobrenatural”. Rose iba a necesitar esa energía para trabajar en EL LLANERO SOLITARIO , que demandó de ella y de su equipo, por ejemplo, hacer 700 pruebas de vestuario en un solo día, para un gran número de actores de reparto.

La diseñadora intentó utilizar telas fieles a la época tanto como le fue posible. “No me gusta nada que esté hecho por el hombre”, confiesa, “así que todo es lana, algodón y seda. Podría haber engañado un poco y empleado un tejido similar a la lana, porque hubiera resultado más cómodo para los actores ya que estábamos filmando en un clima extremadamente caluroso, pero nunca uso nada falso. No hay cierres, los botones sólo tienen dos agujeros –tal como en aquella época- y cada mujer en la película utiliza un corsé”.

Para el Llanero Solitario hay, básicamente, dos trajes: uno al comienzo de la película, cuando se lo presenta como un joven graduado de la escuela de leyes, John Reid, y otro cuando se ha convertido en un Ranger de Texas gracias a su hermano, Dan, y se une a la pandilla en busca de Butch Cavendish. “John Reid es un abogado que viene de una gran ciudad en el este, con un traje de tres piezas, muy correcto. Así que, cuando se transforma en el Llanero Solitario, decidimos que no debía convertirse en un vaquero instantáneamente”, dice Rose, “sino que debía haber una transición. También, cuando tienes a un actor que mide casi 2 metros, las cosas cambian. No podría llevar chaparreras o chaquetas comunes; debimos darle una apariencia propia. Por eso optamos por un aspecto inteligente ya medida, aunque a lo largo de la película se hace cada vez más dramático”.

“Él es una especie de 'Llanero Solitario de la revista GQ'”, continúa Rose. “Este chico naturalmente tiene estilo”. Rose diseñó los pantalones correctos para la época, un chaleco de lino, una chaqueta de lana inglesa, una camisa de lino blanco y un sutil guiño al traje de Clayton Moore, un pañuelo blanco al cuello y un sombrero blanco, hecho a medida por Stetson y cuidando la apariencia de la época. “Ellos, muy amablemente, nos dieron más de una treintena de sombreros”, apunta Rose, “algo muy bueno porque hay mucho desgaste en las escenas de acción”.

La larga colaboración entre Johnny Depp y Penny Rose dio pie a otro gran traje: el de Toro. “En ese sentido tenemos un gran terreno ganado y Johnny es muy bueno para el vestuario”, explica ella. “Él sabe inmediatamente qué funciona y qué no, así que no hay sesiones demasiado largas. Le ofrezco una selección de cosas y las decisiones se toman bastante rápido”.

“La historia indica que Toro es una especie de miembro rebelde de la tribu comanche”, explica, “que vaga en solitario durante años. Joel Harlow, el diseñador jefe de maquillaje, creó el cuervo sobre la cabeza de Toro y el maravilloso maquillaje corporal de Johnny, así que mi trabajo comenzó realmente de la cintura hacia abajo, a excepción de la pieza de la pieza de pecho nativa que le he dado. El concepto es que Toro ha recogido diferentes piezas durante su recorrido, partes y detalles de su historia personal”.

Butch Cavendish, interpretado por William Fichtner, es “un poco dandy”, según Rose, aunque bastante aterrador. “William es espectacular; es un actor maravilloso. Una vez que Joel había diseñado el maquillaje facial de Bill, inmediatamente captamos la esencia de ese hombre. Pusimos charreteras de plata en sus camisas, porque dicen algo acerca de cómo se ve Cavendish a sí mismo”.

Para Rebecca Reid, la mujer de frontera interpretada por Ruth Wilson, Rose destaca que “la diseñé como una esposa de frontera, que más bien tiene un toque Viñas de ira, pero afortunadamente, más adelante en la historia puede lucir un vestido de hermoso tafetán de seda púrpura. Así que, en una buena parte de la película Ruth luce realmente gloriosa”.

Rose describe a la deliciosamente extravagante Red Harrington como “obviamente, la más divertida. ¡Nada es demasiado cuando uno diseña para Helena Bonham Carter! No hay suficientes cintas, puntillas y bordados para Helena. Decidí que debía vestirse de rojo y ella estuvo feliz con eso”.

Para incorporar la pierna de marfil de Red, Rose y su equipo “hicieron un par de pantalones bombacho que tiene una pierna larga y otra que llega hasta la rodilla”. Las chicas de Red, dice Rose, “son bastante glamorosas en esa época y debían lucir apropiadas para dar la bienvenida a los señores del ferrocarril, así que las hice a todas un poco irónicas. Algunas tienen maravillosas batas, con plumas y encajes. Otras están vestidas con trajes de noche que supieron ser gloriosos pero que han ido perdiendo su glamur y están deteriorados y raídos. Con el hermoso maquillaje del departamento de Joel Harlow, y las fabulosas películas de Gloria Casny, fue una fantástica colaboración entre los tres equipos”.

Finalmente, Penny Rose dice que la secuencia del 'Infierno Rodante' “fue casi como un regalo de la película para el equipo creativo, porque pudimos echar a volar nuestra imaginación ¡y así lo hicimos! Lo creé casi exclusivamente con telas, algo muy difícil porque allí había acróbatas, contorsionistas y gente pequeña, pero fue muy divertida. Sabía que era un poco descarado para una británica hacer una película de vaqueros, porque no es mi cultura, pero fue emocionante probar algo nuevo”.

CREANDO PERSONAJES: EL MAQUILLAJE Y LA MÁSCARA

El maquillador ganador del Oscar® Joel Harlow (Star Trek, ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS) había transformado anteriormente a Johnny Depp en el icónico Capitán Jack Sparrow para las cuatro películas de la saga PIRATAS DEL CARIBE y en el Sombrerero Loco para ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, entre otras. Ahora, Harlow y Depp volvieron a trabajar juntos para reimaginar por completo a Toro en EL LLANERO SOLITARIO. Johnny y Joel son almas gemelas”, observa Jerry Bruckheimer, “con un amor por lo inusual, lo poco convencional. Ellos siempre parecen encontrar visualmente un camino hacia el corazón de los personajes que interpreta Johnny”.

Harlow, quien se llevó a casa un Oscar por su imaginativo trabajo en Star Trek, de JJAbrams, fue también el jefe del departamento de maquillaje, a cargo de un talentoso equipo de 25 trabajadores. Ya sea atendiendo a las estrellas de la película, o inventando creaciones fantásticamente extrañas para la secuencia del 'Infierno sobre ruedas', Harlow y su equipo trabajaron hasta el límite de sus capacidades y más allá. Él y su equipo fueron responsables no sólo de Depp sino de todo el elenco, hasta de los actores secundarios y extras. El aspecto de Toro comenzó durante la filmación de The Rum Diary, en Puerto Rico, durante el caluroso verano de 2009. “Me encontré con un cuadro bastante interesante, de Kirby Sattler, titulado 'I Am Crow' (Yo soy cuervo)”, recuerda Harlow. “Se lo mostré a Johnny, quien pensó que podía ser una gran fuente de inspiración para la personalidad y apariencia de Toro. Johnny le mostró esta imagen a Jerry y Gore, quienes realmente encendieron la chispa de todo el proyecto”.

La pintura de Sattler muestra a un guerrero indígena norteamericano con características muy fuertes, el rostro pintado de blanco con cuatro rayas verticales a cada lado de la nariz, el cabello largo adornado con plumas de águila y, lo más sorprendente, un cuervo sobre su cabeza.

Adicionalmente, Harlow quería incorporar una sensación de tierra agrietada y árida. “La idea es que Toro se ha untado con tierra, que se ha secado sobre él y se ha agrietado, casi como una máscara de barro. Podría haber untado un material de barro en la cara de Johnny, que se hubiera agrietado naturalmente, pero no había forma de esperar a que ese proceso natural ocurriera; era ridículo. Por eso, lo que hice fue tomar un molde real de Johnny, fundir arcilla en él –que tiene la misma textura que el barro en ese estado-. Luego tomé eso, lo moldeé, le puse yeso y tracé marcas de grietas en él, para convertirlo en una prótesis de silicona”.

Como relata Harlow, a veces Depp se ponía su máscara de Toro durante varios días, sin quitarla, no sólo para ahorrar tiempo en el proceso de maquillaje diario (de una hora y media de duración) sino porque “este maquillaje lucía mejor cuanto más tiempo se durmiera con él; siempre y cuando no fuese durante más de tres días”. Una prótesis nasal y cuatro piezas corporales y cuatro faciales comprendían también el aspecto de Toro, todas ellas cuidadosamente fabricadas y aplicadas en un proceso que Harlow logró perfeccionar con el tiempo y llevarlo a una duración de sólo 90 minutos.

Los numerosos tatuajes de Depp también fueron un reto para el artista de maquillaje. “Algunos eran adecuados para la época y pudimos dejarlos a la vista”, dice Harlow. “Toro es un nómade, en el exilio de su tribu comanche, así que pudimos tomarnos algunas libertades con su apariencia, apoyados en el recorrido que tuvo desde que era un niño. Los tatuajes que no funcionaban bien con la época fueron cubiertos con el mismo barro que usamos para el rostro de Johnny, para mantener un aspecto coherente”. En un caso, un tatuaje que comenzó como maquillaje temporal –el relámpago en la mano de Toro- se convirtió en real cuando Depp decidió tatuarlo de veras en mitad de la producción.

El omnipresente cuervo posado en la cabeza de Toro también era una responsabilidad del departamento de Harlow. Alrededor de 15 versiones diferentes del cuervo se crearon a partir de una combinación de taxidermia, imitación y pájaros esculpidos, dentro de una subdivisión del departamento conocida como “el laboratorio”, a cargo del supervisor Steve Buscaino y su equipo. En cuanto a la larga melena de Toro, la jefa del departamento de peluqueros, Gloria Casny, fabricó la elaborada peluca, misteriosamente surcada en la parte posterior con algo que parecería ser excrementos de pájaro. Finalmente, el asesor técnico Comanche William Voelker, proveyó las plumas y cuentas que se anudan en el pelo de Toro.

Armie Hammer no requería tanta atención en su papel como el Llanero Solitario, pero la célebre máscara del héroe sí estuvo bajo la supervisión del departamento de Harlow. “La forma era muy importante”, dice Harlow. “Trabajé de cerca con Gore y Crash McCreery en ella porque, apenas una diferencia en los contornos de la máscara y pasábamos de tener el Llanero Solitario a ver a un superhéroe. Una vez que logramos la forma adecuada, la duda pasó a los materiales, ya que Toro usa el chaleco del asesinado Dan Reid para hacer la máscara a su hermano menor, John. El material de la máscara debía coincidir con el material del chaleco, pero también necesitaba lucir como una máscara en sí. En el guión, los orificios para los ojos son agujeros dejados por las balas en el chaleco, algo que me pareció genial”.

En total, conseguir que la máscara sea adecuada requirió de una decena de diferentes diseños y siete pruebas con Armie Hammer. “No es tan fácil como atar un trozo de cuerda a la cara de un chico”, continúa Harlow. “Es una imagen icónica y uno quiere asegurarse de que sea correcta a través de toda la película”. Como resultado, la fabricación real de la máscara del Llanero Solitario debía ser tan cuidadosa como su diseño. “La máscara está hecha de cuero de piel de cabra, muy suave”, explica Lenny MacDonald, quien fabricó las máscaras en el laboratorio. “Fue moldeada directamente sobre el rostro de Armie, para que se ciña bien. El cuero se calienta con agua caliente; esto lo hace flexible, y las arrugas se imprimen en él para que luzca natural”. Como siempre ocurre con esos diseños, hubo un período de prueba y error. “Es muy similar al aspecto icónico”, continúa MacDonald, “pero queríamos que pareciera más realista que la original, que era una que cualquiera podría comprar en una tienda de disfraces”.

“La primera vez que me puse la máscara”, recuerda Hammer, “estaba en la oficina del sastre, en Burbank (California). Era sólo una prueba, así que no se sentía del todo cómoda aún. Más tarde, me probaron la máscara final. Ésta se sentía perfectamente cómoda. Estaba como pegada a mi rostro. Recuerdo que, al colocarla pensé: 'Guau, esto es rudo. Va a ser genial'”.

Otro actor que Harlow y el departamento de maquillaje transformaron hasta dejarlo irreconocible fue William Fichtner, en su papel de Butch Cavendish. “Primero, me equivoqué con el diseño de la punta de la nariz de Butch. Seguí adelante y esculpí una pieza que tenía un labio leporino”, explica Harlow. “Entonces, en conjunto con eso, creamos un efecto en el que injertamos un trozo de alambre en una dentadura con un diente de plata, luego forzamos el labio hacia arriba, para revelar el diente”.

“Entonces, como Gore había hablado acerca de cómo quería que Butch fuese viperino, en la mañana del primer día en que Bill comenzó a trabajar, trajimos una cola de serpiente de cascabel y la pegamos en el cabello de Butch”, dice Harlow. “Gore y Bill amaron ese aspecto y, en base a eso, decidimos que cada miembro de la pandilla de Cavendish tendría su propio sello físico. Por ejemplo, Ray, interpretado por Damon Herriman, probablemente tiene el sello más dramático de toda la banda, porque ha sido víctima de un accidente. Esculpimos una prótesis que atraviesa su cuello y un costado de su cara, en lugar de la parte posterior de su cabeza”.

Fichtner estaba muy impresionado por su maquillaje, junto con todo lo demás que halló durante esta filmación. “Nunca he estado más inspirado en el primer día de un proyecto. Dos días después de hablar con Gore acerca de Cavendish, me bajé del avión en Albuquerque, fui derecho a montarme en un caballo –algo que no había hecho en 38 años- y allí mismo me dijeron que me pedirían que saltara de un tren en movimiento hacia un caballo al galope. Luego fui a ver al incomparable Joel Harlow, quien creó un aspecto para el personaje en cuestión de dos horas ante el cual sólo pude decir: '¡Guau!'. Eso ocurre cuando hay un grupo de gente que está formado por lo mejor de lo mejor”.

El extravagante aspecto de Helena Bonham Carter como Red Harrington fue el resultado de la colaboración entre el departamento de maquillaje de Harlow y la jefa de peluqueros, Gloria Casny. “Tratamos de hallar nuestro propio color y tono para el personaje de Helena, algo que nos llevó un tiempo”, dice Casny. “Helena tenía sus propias ideas acerca del color de la peluca y un enorme sentido de cómo debía interpretar su personaje. La peluca que finalmente usamos tiene 75 centímetros de largo y extensiones que son, probablemente, de otras 60 a 75 centímetros”.

A lo largo de la producción, Joel Harlow estaba impresionado por la gran libertad creativa que él y los demás departamentos tuvieron. “No puedo expresar lo mucho que aprecio, tanto a Gore como a Jerry Bruckheimer”, agrega Harlow. “Cuando se tiene un flujo libre de ideas, éstas generan nuevas ideas; es un proceso creativo de ida y vuelta. No te sientes sofocado, y se puede quebrar los límites. Nos dejaron hacer cualquier locura”.

EFECTOS VISUALES Y FÍSICOS

Los espectaculares efectos especiales de EL LLANERO SOLITARIO fueron resultado de los diferentes esfuerzos, a menudo en colaboración, entre los supervisores de efectos visuales Tim Alexander y Gary Brozenich, y del supervisor de efectos físicos John Frazier. Este último manejó los impresionantes efectos mecánicos 'en cámara', mientras que el primero fue el mago encargado de la creación de los efectos digitales. Estas sutiles maravillas creadas por computadora incluyeron la transferencia de paisajes tomados en Monument Valley a las tomas de fondo capturadas en Rio Puerco, y extendieron digitalmente los platós de pueblos como Colby, construidos físicamente, con unos cuantos edificios extra.

Tim Alexander, uno de los jóvenes genios de Industrial Light & Magic, ya había trabajado con Gore Verbinski en una película completamente realizada por realidad virtual, la innovadora Rango. Al hacerlo, Alexander ayudó a crear un grado de realismo hasta entonces nunca visto por el público, elevando cada vez más los estándares establecidos por los anteriores filmes de Verbinski, desde su película revelación Mousehunt, de más modesta escala, hasta las tres entregas de la saga PIRATAS DEL CARIBE, que animaron digitalmente personajes como Davy Jones, incorporándolo a la perfección con la acción en vivo. La filosofía principal de Verbinski para el uso de efectos visuales es que estos nunca deben ser usados porque sí. “Eso estuvo muy presente en mí durante la filmación de Rango”, confirma Alexander. “Todo debía ser parte del significado de esa toma; la tecnología CGI debe ser parte de la historia. En EL LLANERO SOLITARIO , Alexander debió supervisar un departamento de aproximadamente 30 personas durante el rodaje, que crecería durante la etapa de postproducción a más de 100, sólo para terminar su trabajo un breve tiempo antes del estreno de la película.

Para EL LLANERO SOLITARIO , Alexander explica: “Tanto Gore como yo, y el resto del equipo, tenemos una filosofía que llamamos 'la regla del 50 por ciento', con la cual queremos siempre tratar de obtener por lo menos la mitad de algo real en cámara, para mantener el mayor realismo posible. A veces uno se puede quedar atrapado en la técnica de la pantalla azul o del estudio de filmación, y piensas que todo está saliendo genial, pero finalmente, lo único que tenemos es un montón de pantallas azules sin nada de vida”.

“Otra de las cosas que hicimos, siguiendo con la misma filosofía”, continúa Alexander, “fue no filmar con pantalla azul en un estudio. Todas las pantallas azules se filmaron al aire libre, a la luz del sol, para que coincidiera con el resto de la película. Cuando trabajas en un estudio, a menudo todo es más sencillo porque está más contenido, pero estás iluminando para recrear el sol en lugar de filmar con sol, algo que a menudo luce falso”.

Las instrucciones de Gore Verbinski a Tim Alexander fueron hacer que los efectos visuales no luzcan como efectos visuales. “Los efectos son usualmente muy grandes y extremadamente complicados en esta película”, anota Alexander, “y creo que el truco para nosotros será que la audiencia no piense que EL LLANERO SOLITARIO es una película de efectos visuales. Se trata de la historia, no es un gran blockbuster cargado de efectos”.

Esto no fue una tarea fácil teniendo en cuenta que la intensa secuencia de acción del tren es una de las más complejas de la historia reciente del cine. “Es enorme”, admite Alexander. “Requirió cerca de 350 tomas con efectos visuales, incluyendo la renderización de trenes enteros o en primeros planos. Gore quería que la secuencia sea un viaje salvaje de dos trenes, casi como un duelo entre ambos, con giros, choques, serpenteos, pero siempre en marcha. Y debíamos hacerlo lucir real. Por lo tanto, todas las imágenes de acción real que Gore tomó nos dieron una base para ello, y debíamos asegurarnos de que nuestras tomas CG lucieran igual de buenas”.

El requisito de, aproximadamente, 1300 tomas con efectos visuales en EL LLANERO SOLITARIO significaron que, además del trabajo de ILM, Tim Alexander también supervisaría a otros proveedores, incluyendo las casas de efectos Moving Pictures Company (MPC), con sede en Londres, y Lola, con sede en Santa Mónica, California. Como supervisor de efectos especiales de MPC, Gary Brozenich explica que su compañía fue responsable de la secuencia del ataque Comanche a la mina. “Desde el comienzo hasta el final de esta secuencia”, dice Brozenich, “hicimos varias cosas, desde extensiones del set a la adición de un millón de flechas de Comanches, hasta crear por computadora dobles que son atacados por flechas, reemplazos y explosiones. También hicimos escorpiones y algunos fondos y paisajes que se verán salpicados a lo largo de la película”.

Brozenich afirma que trabajar con Gore Verbinski y el diseñador de producción Crash McCreery “nos dio una visión poderosa desde el comienzo. Gore es capaz de cualquier cosa para que todo luzca real. Hay una visión holística de EL LLANERO SOLITARIO , que nos guía a trabajar con la estructura de la visión del filme. Está muy claramente establecido, aunque también hay espacio para respirar con creatividad”. Uno de los métodos que Verbinski y su equipo utilizaron fue la detallada previsualización para trazar las más complejas secuencias. Esto funciona esencialmente como un storyboard en movimiento (otra técnica en la cual el meticuloso Verbinski confía), pese a que, como Brozenich señala, “técnicamente guió el trabajo en lugar de definirlo”.

Al final de la larga sesión, tanto Alexander como Brozenich sabían que algunos de sus trabajos más lentos aún estaban por delante, pero estaban dispuestos a tomar el toro por las astas. “Definitivamente estoy muy cansado”, dice Alexander dos días antes del final de su trabajo, “pero estoy entusiasmado de entrar en una nueva etapa ahora, porque puedo volver a ILM y comenzar a observar el trabajo que todos hemos hecho durante casi dos meses. Será duro, tareas de días y noches, pero con tanto material para trabajar no hay que perder el tiempo”. Gary Brozenich agrega: “Ya podría decirse que todos estamos trabajando en una gran película, razón por la cual no será difícil para mí motivar a todos para que trabajen hasta altas horas de la noche”.

EL REGRESO DE SILVER

Hemos conocido a Tony, de Tom Mix; a Trigger, de Roy Rogers; a Buttermilk, de Dale Evans; a Topper, de Hopalong Cassidy ya Champion, de Gene Autry; pero sin dudas, no hay héroe equino más famoso que Silver, el caballo del Llanero Solitario. Pese a que este animal “de fuego y con la velocidad de la luz” fue amado por millones de oyentes de la radionovela y telespectadores de la serie, EL LLANERO SOLITARIO de Gore Verbinski y Jerry Bruckheimer le dio al caballo algo que éste no poseía en las versiones anteriores de la historia: una personalidad diferenciada.

De hecho, en la nueva película, Silver posee una seductora combinación de misterio, humor, majestuosidad, excentricidad y heroísmo. Este Silver es un caballo que súbitamente aparece en la copa de los árboles y en el techo de un granero en llamas, un caballo que reconoce algo especial en John Reid, incluso cuando está enterrado luego de haber sido “asesinado” en el cañón Bryant's Gap. “Hay algo muy malo con ese caballo”, le dice Toro al Llanero Solitario, desconcertado por algunos comportamientos del animal. Pero Toro también sabe que el equino es el “espíritu ecuestre” de John Reid, un ser que reconoce al joven hombre como un “líder espiritual”, que ha estado del otro lado y ha regresado. “Silver se roba las escenas”, asegura Gore Verbinski. “Él aparece en los lugares más inesperados”.

Con el rol tan prominente de Silver en la película, correspondía a la producción no sólo hallar el mejor animal para el papel sino también a la mejor persona para entrenarlo. En ese sentido, el camino era claro y se dirigía directamente a Bobby Lovgren, reconocido como el mejor del mundo en su especializada y respetada profesión. Nacido en Sudáfrica, Lovgren creció en una familia ecuestre; fue gerente de un establo y jinete en su país natal, antes de trasladarse a Los Ángeles y comenzar a trabajar en la industria de la mano de entrenadores legendarios del cine, como Glenn Randall Sr. y Corky Randall.

Lovgren es quizás más conocido por su reciente trabajo en CABALLO DE GUERRA, de Steven Spielberg, aunque previamente dedicó sus habilidades para películas como SEABISCUIT y La máscara del Zorro. La clave de su éxito es que Lovgren ama y entiende a los caballos, y ese sentimiento pareciera ser mutuo. “Debemos darnos cuenta de que los caballos entienden”, dice Lovgren. “¿Nos comunicamos debidamente con ellos? También tenemos que asegurarnos que estén cómodos y que disfruten del proceso. Siempre tratamos de hacer las cosas más sencillas para ellos, y por eso mis lecciones son breves. Hago muchas durante el día, pero nunca de modo tal que sean agotadoras para los animales. De esa manera, ponen más atención; algo que ocurre con los niños pequeños también”.

Lovgren señala que, al buscar el caballo perfecto para interpretar a Silver, “hay que encontrar aquellos que no sólo puedan actuar el papel, sino que luzcan como tal. Debes ver cómo son sus personalidades, qué cosas pueden hacer y cuáles no; si pueden saltar bien, permanecer quietos por un largo tiempo… Todo esto es muy importante”. Afortunadamente, el “héroe” que Lovgren eligió para encarnar a Silver se llama, también, Silver. Lovgren ya había trabajado con el animal, mezcla de purasangre con Cuarto de Milla, de diez años de edad, hacía unos años. “Fue agradable elegir a un caballo que ya conocía y en el que podía confiar”, asegura.

Aunque Silver realizó la mayor parte de las acciones que el papel requería, Lovgren también convocó a otros varios caballos blancos, entre ellos Leroy, Parrot y Cloud, para acciones específicas. Es Cloud quien corre a través de los tejados de Promontory Summit, una secuencia que llevó semanas de preparación con Lovgren, los vaqueros y el doble de jinetes Lyn Clarke. “Toda esa secuencia era un interrogante”, admite Lovgren, “ya que nunca se había hecho antes, que yo sepa”. Nuestra mayor preocupación, cada día, fue la seguridad de los animales, por lo cual no había sitio para el error. Hicimos un montón de ensayos y, para esa secuencia, creamos patrones en los caballos, de modo tal que cada vez que fueran allí, supieran exactamente que debían hacer lo mismo una y otra vez, algo que normalmente no ocurre en un plató porque las cosas cambian de escena a escena”.

El caballo de Toro, conocido como Scout en la clásica serie de TV, fue interpretado por dos caballos American Paint, uno llamado Sargeant y el otro –créase o no- llamado Scout. Lovgren comenzó a entrenar a Silver, Scout y el resto de los equinos cuatro meses antes de comenzar la filmación, en una instalación llamada Horses Unlimited, a pocos kilómetros de Albuquerque Studios. “Siempre son las cosas lentas las más difíciles”, señala Lovgren. “Correr, saltar, eso es relativamente fácil. Pero estar allí para lograr un cierto comportamiento, como recoger un sombrero o una botella, muchas veces seguidas, te dará una idea de cuán paciente es el caballo. A pregunta es cuántas veces el animal podrá hacerlo antes de tener que pasar al doble, ya que todo lo que hacemos está respaldado por otro caballo”.

A veces, Lovgren no sólo debió enfrentar el desafío de las limitaciones de los equinos, sino de las suyas propias, particularmente para una toma en la que el Llanero Solitario y Toro se sientan en sus caballos al borde de un precipicio en John Ford Point, en Monument Valley. “No me gustan las alturas, así que era más aterrador para mí que para los caballos”, confiesa.

Y sí, hay un clásico momento de “Hi-yo, Silver”, cuando Silver se alza con el Llanero Solitario en dos patas; una escena impregnada, desde luego, con un toque Verbinski. “Honestamente, fue una de las cosas más fáciles”, asegura Lovgren. “Fue realmente agradable porque Armie Hammer lo hizo. Armie fue genial. Fui afortunado de trabajar con él en Mirror Mirror, y conocerlo creó una gran diferencia”.

La escena fue sencilla para Lovgren, quizás, pero no tanto para Hammer. “Es muy contradictorio hacer que el caballo se pare en dos patas”, explica el actor. “Uno creería que debe impulsarse hacia atrás, cuando en realidad debes tirar todo el peso del cuerpo hacia adelante, ya que el caballo sabe dónde está el punto de inflexión”.

AMOS DE LAS TIERRAS

A diferencia de las anteriores encarnaciones de la leyenda, en esta nueva versión de EL LLANERO SOLITARIO no hay ningún misterio en cuanto a qué nación indígena estadounidense pertenece Toro. Tal como apunta Jerry Bruckheimer: “Tuvo mucho sentido para nosotros, geográfica, cultural e históricamente, que como el Llanero Solitario es de Texas, Toro debería haber nacido en la gran nación que vivió en esas tierras durante generaciones: los Comanche”.

En el apogeo de su poder, el Imperio Comanche ocupó lo que hoy en día es el este de Nuevo México hasta el sur de Kansas, la totalidad de Oklahoma y la mayor parte del noroeste de Texas. Conocidos históricamente como unos de los guerreros más feroces en la protección de sus tierras ante las oleadas de extranjeros que las invadían, y también reconocidos como los mejores jinetes de América del Norte, los Comanche –que se llaman a sí mismos los Numunu- han sobrevivido cultural y lingüísticamente contra todas las dificultades.

Pese a que la población actual se ha reducido desde finales del siglo XVIII, los Comanche hoy residen Lawton, Oklahoma, y permanecen fuertes y comprometidos con su poderosa historia y su futuro prometedor. Wahathuweeka-William Voelker, uno de los mayores conocedores de la herencia tradicional de su gente, interpretó la extraordinaria forma de vida Comanche para la película. Como fundador de Sia (término Comanche que significa plumas), el programa de conservación etno-ornitológico de la Nación Comanche, Voelker ha criado más de 400 águilas en cautiverio (muchas de ellas gracias a revolucionarios métodos de inseminación artificial) y restauró su sitio en el orden natural de la espiritualidad Numunu.

Trabajando como asesor técnico en EL LLANERO SOLITARIO junto con Troy “The Last Captive” (o El último cautivo), su socio en Sia, Voelker se desempeñó como un cercano consultor en el filme, para asegurar la exactitud histórica y cultural en muchos niveles. La amplia gama de responsabilidades de Voelker incluyó entrenar a Depp en el idioma Comanche y asistir a la producción con representaciones precisas de los Numu kahni o tipis, las vestimentas y armamento. A la vez, también fue consciente de que la película es una obra de entretenimiento que, en ocasiones, permite licencias poéticas con respecto al pasado. “Gracias a nuestro trabajo en la preservación de la cultura, la industria del cine a veces nos convoca cuando se requiere cierta exactitud histórica”, comenta Voelker. “Nuestro trabajo principal es preservar la cultura y el águila como una entidad histórica, espiritual y ceremonial. Sin embargo, cuando es apropiado, revisamos el proyecto y colaboramos, tal como hicimos con EL LLANERO SOLITARIO ”.

“No estamos haciendo un documento histórico con la película”, continúa Voelker. “Pero la producción está comprometida con la exactitud histórica, en la medida en que ésta funcione para la trama. Sabemos que debemos tener un punto de vista cooperativo en este sentido. No es que pondremos en riesgo nuestra cultura, sino que nos enfocamos en el entretenimiento de las masas, hecho con sensibilidad hacia nuestra forma de vida. Por desgracia, estamos viviendo tiempos en los cuales la gente Comanche tiene menos entendidos, por lo tanto, cualquier exactitud histórica que podamos transmitir a los jóvenes es la razón primaria por la que nos involucramos”.

En EL LLANERO SOLITARIO , Voelker y Troy trabajaron en estrecha colaboración con varios departamentos, particularmente con los de diseño de producción, decoración de set y utilería, para encontrar el punto medio entre la exactitud histórica y las necesidades de una película de ficción. “Gore tiene una visión muy específica”, confirma Voelker. “Ha visto estas escenas en su cabeza una y otra vez. Lo que hemos podido hacer es un feliz término medio entre la total exactitud histórica para nosotros y lo que funciona bien con la paleta que él tiene en su mente. Ha habido un poco de compromiso, pero no al punto en que es algo que no nos permita vivir tranquilos. Lo hacemos funcionar”.

“Reunimos a los diferentes departamentos para que pudieran entender un poco más acerca de lo que hacemos y de la cultura viva que traemos con nosotros”, continúa Voelker. “En el trato con ellos, puedo decir con absoluta certeza que se comprometieron a trabajar dentro de un marco histórico auténtico”. Como un perfecto ejemplo de ello, Voelker y Troy trabajaron en estrecha colaboración con la decoradora Cheryl Carasik, en jefe constructor David Manhan y sus equipos, para desarrollar y crear tipis precisas en los campamentos Comanche del filme. Voelker, orgullosamente, toma nota de que esta fue la primera vez que tales viviendas se verán en una película. “Nosotros, los Numunu, nos estancamos con la idea de los tipis del norte, pero esta es una de las cosas que hemos hecho con precisión en EL LLANERO SOLITARIO . “Nuestros Numu kahni tenían una base de cuatro polos, puestos juntos de una forma muy particular, y todo se construía a partir de allí. Cuando se tiene en cuenta que nuestras villas estaban situadas en tierras más al sur, donde no hay nada para romper el viento, era esencial que nuestros Numu kahni fueran creados de una forma que nos defendiera contra los elementos naturales”.

A lo largo de la producción, Voelker y Troy también se complacieron en desarrollar una estrecha colaboración con Johnny Depp, aconsejándole en todo el rodaje acerca de todo tipo de cuestiones. “Johnny rápidamente reveló lo muy sensible que es como persona, y fue un enlace rápido entre nosotros”, afirma Voelker. “Como resultado de su gran interés en quiénes somos a nivel cultural, agregó palabras en Numunu que no estaban en el guión original y que le parecieron apropiadas para mencionar en nuestra lengua. Fue grato saber que estaba tan comprometido”.

De hecho, Voelker y Troy fueron quienes presidieron la adopción ceremonial de Depp (con parte de ascendencia cherokee) en la distinguida familia Tabbytite de la Nación Comanche, adoptado de la vieja tradición por LaDonna Harris, la legendaria activista que ha pasado la mayor parte de sus ocho décadas trabajando incansablemente para mejorar la vida de los pueblos indígenas en los Estados Unidos y alrededor del mundo. El nombre Comanche elegido para Deep y anunciado por Voelker en la ceremonia fue Mah-woo-meh, que en una traducción aproximada significa “Él puede cambiar” o, quizás, “Metamorfosis”.

Como alguien que ha dedicado años a la propagación de las aves sagradas, Voelker está calificado para abordar el aspecto del que más se habla acerca del Toro de Johnny Depp: el inanimado cuervo que adorna su cabeza. “El cuervo es, probablemente, sólo superado por el águila en materia de la medicina o de la energía a la que el guerrero puede aspirar”, explica Voelker. “Teníamos un grupo de elite de guerreros Comanche -la traducción al español de su nombre sería algo como los “Portadores de los adornos de cuervos”-, del cual soy descendiente directo. Un gran grupo de plumas de cuervo en la cabeza simbolizaba el hecho de que ese sujeto era miembro de dicha sociedad guerrera de elite. El uso de un ave entera, o de las partes principales de un pájaro, en la cabeza, es algo que ocurre en muchas tribus. Lo que ocurre es que, con los Comanches, esto está aún más pronunciado. Así que es lógico que el personaje de Toro sea uno de nosotros. Llevar un cuervo, o plumas en la cabeza es una medicina de alta resistencia, o energía espiritual, para nuestra gente”.

La relación entre Wahathuweeka-William Voelker, Troy “The Last Captive”, la Nación Comanche y Johnny Depp continuó hasta después de finalizado el rodaje. Dos días después de terminar los siete agotadores meses de rodaje, Depp voló a Lawton, Oklahoma, el 29 de septiembre de 2012, para participar en la Feria de la Nación Comanche, cumpliendo una promesa que había hecho meses antes al recordado jefe tribal Johnny Wauqua. En un día muy lluvioso y agitado, a menudo en compañía del jefe tribal Wallace Coffey, Depp cabalgó al lado de su madre comanche adoptiva, LaDonna Harris, saludando a multitudes entusiastas en un desfile empapado pero alegre. Habló con elocuencia en un gimnasio lleno de niños y adolescentes comanches junto con Harris y Gil Birmingham, quien interpreta a Rodilla Roja en EL LLANERO SOLITARIO y es también comanche. Además, visitó las hermosas instalaciones de Sia en las cercanías de Cyril, Oklahoma, y presentó sus respetos a la tumba del gran jefe comanche Quanah Parker, en un cementerio de Fort Sill, justo enfrente del recinto ferial.

El amor y la calidez con la que Depp fue recibido por el pueblo comanche fue devuelto a ellos por el humilde y agradecido actor. Durante su charla en el gimnasio, Depp le recordó a los jóvenes acerca de su increíble patrimonio, diciendo que ellos podrían lograr lo que quisieran porque tienen un “espíritu guerrero” en su interior. La supervivencia de los comanches es testimonio de un pueblo con enorme fuerza interior y dignidad que, erguido, encuentra su esperanzador futuro en su orgulloso pasado.

LO QUE SUCEDE EN POST-PRODUCCIÓN QUEDA EN POST-PRODUCCIÓN

El fin de la fotografía principal apenas marcó la conclusión de una parte de EL LLANERO SOLITARIO. También fue el comienzo de una nueva etapa, quizás igual de desafiante: la carrera hacia la línea de llegada que verá la luz recién cuando el filme llegue a los cines del mundo. El calendario de postproducción comenzó con las millones de piezas de este rompecabezas, creadas durante el rodaje, listas y necesitadas de encajar justo en el sitio correcto.

Las islas de edición se prepararon en Pasadena, California, donde los editores Craig Wood (Rango) y James Haygood (TRON: EL LEGADO) se pusieron a trabajar en el montaje de la gran cantidad de material filmado durante los previos siete meses. Había mezcla de sonido, de enlace y doblaje por hacer. Más al norte, cerca de San Francisco, el genio de efectos visuales Tim

Alexander se encargaría de supervisar a un equipo cada vez más grande de artistas para crear la magia necesaria, mientras que al otro lado del Atlántico, en Londres, la gente de Moving Picture Company's Gary Brozenich haría exactamente lo mismo.

Colaborador hace muchos años de Verbinski y Bruckheimer, el compositor Hans Zimmer (PIRATAS DEL CARIBE: NAVEGANDO AGUAS MISTERIOSAS, The Dark Knight Rises), quien le dio al Capitán Jack Sparrow su inolvidable tema musical, haría ahora lo mismo para Toro y el Llanero Solitario. Por supuesto, estaba la omnipresente Obertura de “Guillermo Tell”. “Vamos a reflexionar acerca de ella y quizás deconstruir y analizar un poco la música, por un tiempo”, dice Verbinski. “Es como un romance para la mayor parte de la película, porque John Reid aún no se ha convertido en ese hombre. Luego, en un momento dado, él lleva la máscara de un modo ligeramente diferente. Ésta le sienta mejor, el sombrero blanco también le sienta mejor, su actitud es otra y allí es cuando, sabiamente, escuchamos la Obertura. En última instancia, estamos haciendo EL LLANERO SOLITARIO en el sentido clásico, sólo que llegamos a él de una manera completamente diferente”.

Ruth Wilson, quien interpreta a Rebecca Reid, resume la experiencia para todos los involucrados en la producción de EL LLANERO SOLITARIO al decir: “Gore [Verbinski] tiene tanta pasión y energía; le importa tanto lo que está tratando de crear y trabaja incansablemente para lograrlo. Él establece un estándar que es contagioso; todo el mundo quiere ser audaz, valiente y muy interesante en sus opciones para que coincida con lo que Gore quiere lograr. Es un ambiente maravillosamente creativo, leal y estimulante para trabajar”.

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